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《松花江上》的音乐内涵及演奏手法

《松花江上》的音乐内涵及演奏手法

1936年11月,中国抗战史上诞生了一首传遍大江南北的经典名曲,它就是张寒晖谱写的抗战歌曲——《松花江上》。作曲家刘雪庵将自己谱写的《离家》、《上前线》与《松花江上》并题为“流亡三部曲”,在上海《战地周刊》发表。歌曲中血泪凝成的旋律强烈地感染着中华儿女,无数热血男儿高唱着这支血泪悲歌奔赴抗日前线。周恩来曾感慨地说:“一支名叫《松花江上》的歌曲真使人伤心断肠。”毛泽东也说:“一首抗日歌曲抵得上两个师的兵力。 1967年,我国当代钢琴家、著名作曲家崔世光将这首歌曲改编为钢琴作品。

(一) 恒久的艺术魅力

钢琴曲《松花江上》的内容极具艺术感染力,以其深刻的表现力和有血有肉、富于情感的音乐形象揭示了当时因遭受日本侵略者蹂躏而背井离乡的东北同胞悲惨的生活,高度的艺术性使其成为有着时代印记的感人旋律,劳苦大众被苦痛之火燃烧着,这激发了作者用音乐做武器,塑造活生生的音乐形象去揭露、呐喊!表达出作者急切的抗日救国的强烈愿望。巨大的力量蕴藏在声泪俱下的悲痛中,激励着四万万同胞团结一致,抗日救国。作品愤慨激昂,气势磅礴,琴声所至,催人泪下,令人震撼。这首感人肺腑的钢琴曲, 以饱含热泪的情感,奏出了悲愤交加的心声,独特的艺术魅力震撼着一颗颗爱国的赤子之心,以至于笔者每次在演奏与教学该作品时,内心深处都被这音乐的力量猛烈撞击,激动之情溢于言表,不能自己。这首当代中国钢琴曲为何会有如此璀璨夺目的艺术魅力呢? 诸多原因促使作者热切的希望将其推荐给演奏者和听众。

1.钢琴技巧与音乐内容、情感的完美结合

作者采用了大量的八度、三连音、半音阶及柱式和弦等技巧,表达悲愤交加的情感,用单音、和弦等来表现凄凉与无可奈何的苦痛;强烈的八度、和弦,细腻的触键,交织于多变和声中的丰富的旋律线条,再加上复杂而富有弹性的节奏,要求演奏者运用全面的钢琴技巧,控制多种音色,完美地表现深刻的音乐内容和情感。

2.民族音乐与钢琴的完美结合

崔先生博采众长,广纳群技,将民族音乐与“乐器之王——钢琴”完美结合。旋律渗透着传统音乐的精髓,丰富的织体体现出作者扎实的写作基础,琴声中透露出一种来自人民底层深沉的气息,情真意切,扣人心弦,充满着强烈的艺术感染力。

3.充分挖掘钢琴的特点和优势

《松花江上》作为钢琴作品相比较其声乐作品而言,具有独特的艺术魅力。

(1)钢琴音域宽广,音量幅度大,表现力极强,可同时演奏多个声部并包括丰富的和声,细腻如独奏乐器,磅礴至整个管弦乐队(例如:该作品作为歌曲是一个半八度的音域,而作为钢琴曲则充分运用了钢琴七个八度的音域),声乐中的歌词对音乐内容和情感的表达更直接、更具体,而钢琴的表达则不一定具体,尤其是钢琴独特的余音特点,留给欣赏者和演奏者更多想象的空间,这正如素描与国画的关系。

(2)力度层次:涵盖了从“ppp”至“fff”的几乎所有力度层次和最大的音量幅度。

(3)从织体和技巧上,几乎包揽了钢琴的各种技巧和伴奏音型,例如:音阶,半音阶,各种琶音,极为密集、震撼的八度、和弦(多至同时弹九个音)等。相对于原作的钢琴伴奏谱较为单一(主要使用震音伴奏)的织体、淳朴的和声及音域、力度运用的幅度,其艺术生命力是无以伦比的。

4.作曲技巧与艺术内涵完美结合

(1)调性、调式与和声:遵循原作,充分利用调式本身具有的特性,第一段用大调描述美好的往昔,第二段用小调哭述老百姓失去家园和亲人的惨痛,最后回到了大调,表现了誓死保卫家乡的坚定信念。而调性移高至升F调,使钢琴的音色在高潮时发出金属般嘹亮而震撼的音色,对听众产生强烈的听觉冲击力。同时,结合传统和声与西方近现代和声,并在和声的民族化上做到恰如其分的配置。例如,在三度叠置的传统和声基础上,附加(或移动个别和弦音)二度音程,使和声五声化,另外,还运用近现代和声常用的线形和声,使和声连接旋律化,紧密配合旋律进行,使音乐更加流动而蕴涵着无尽的力量感。

(2)节拍与节奏:《松花江上》的歌曲是3/4拍子,但在钢琴曲的第二段中,作者大胆地改用了多种复合节拍,并运用了以三连音为主的节奏型。其中包括了4/4、3/4、2/4、3/8、9/8、6/8等节拍,加上三连音节奏的持续进行,使音乐显得极为动荡不安并充满力度感,揭示了极为复杂、矛盾的心理变化。同时,在织体的处理上,这些三连音的节奏型从单音开始,不断加厚,最多时同时弹奏九个音(如同管弦乐队中乐器的叠加),并处理双手成同向和反向进行、交叉、交替进行,蕴涵的力量不断涌现,使音乐达到最高潮。复合节拍,三连音,不断变化、加厚的织体,配合钢琴特有的音色,使音乐犹如汹涌澎湃的滔滔松花江水,时而在低吟,时而沉重地叹息,时而在怒吼,在咆哮,极具震撼力的听觉冲击,作者用音乐告示国人:只要团结一致,中国人民的力量是不可阻挡的!

5.恒久的艺术生命力                

许多中国钢琴作品事实上就是加上钢琴伴奏的歌曲改编曲,缺乏生命力,而钢琴曲《松花江上》则是一首完全独立的钢琴艺术作品,它塑造的是一段历史、无数的音乐形象和极为深刻而复杂的情感,完全可以媲美国外作曲家的经典之作,其艺术生命力必将永恒。钢琴家以其高深的演奏技巧,为听者勾勒意境,激发联想,唤起回忆,催生愤慨,催人奋进,这是《松花江上》作为声乐原作所无法比拟的。作为钢琴作品,《松花江上》已成为当代中国艺术钢琴曲库中一颗最为璀璨的明珠。

(二) 作品的音乐内涵及演奏技法

曲式结构

《松花江上》为再现复二部曲式

引子 连接    呈示段          中段        再现段    尾声                                  

        ┌────────┐    ┌────┐     ┌────┐

          a     a1       b       b1      c      d   b2 a2   a  

1—6  7—8  9—18  19—29  30—40  41—53  54—69  70-79  80—87

1、引  子

   引子部分采用“倒叙”手法,钢琴音色清澈透亮,气息宛转悠长,幻想般回忆的开头把人们的思绪引到战前那漫山遍野的稻谷高粱地。高低两条旋律线则巧妙地把背景铺开,高音旋律线表现明亮美好的景致,音色圆润通透;低音旋律线始终徘徊在钢琴低音区,灰暗的和弦音隐隐表现出“山雨欲来”的不祥预兆。旋律线条的紧凑下行,打破了美好的景象,满目凄凉与沉重心情的相互交错,预示着悲剧的发生。

和声方面,作者在第5-6小节巧妙地安排了升F调的属和弦及转位。第5小节,作者把属和弦的三音“民族化”,将原有的升C改成了升D。在第6小节中,将属和弦的三音作为低音,加上第7小节的休止符,给听众留下一个大大的问号:这是现实?还是噩梦?(谱例1)

音色的对比是引子部分的难点之一,沧桑沉重却欲哭无泪的情感表现,主要通过触键手法和左踏板来实现。第一个和弦的旋律音明亮通透,高音旋律采用拨弦的奏法,运用整个手臂力量,快速击键,使音色更为明亮通透;低音区应弹得十分凝重,下键速度慢而深沉。这是发自内心的呐喊,仿佛一个年迈的老人含着泪亲吻着那片深爱的土地,吐露着千千万万百姓的心声。引子作为钢琴曲中独特的铺垫,从一开始就把听者带入意境中,仿佛置身于那个内忧外患的年代,这是歌曲所无法比拟的。

2、呈示段

第一个主题段(8-18小节) 是对过去欢聚一堂温馨场面的回忆,这里没有战争,没有敌人与仇恨;展现在我们面前的是一幅欣欣向荣的风景画:那广袤的黑土地,奔流不息的江水,还有火红的高粱和葱绿的森林,劳动人民和谐安逸地生活在这富饶的土地上。右手深沉质朴的旋律引发人们心中对家乡热诚的回忆与眷恋,配以左手平和的半分解和弦织体、协和的和声,加上“深下键”的触键方式,使声音传向远方,赋予这一秀丽画卷以不息的生命。那是一种令人沉醉的真情流露。此处处理得愈美好,愈能反衬出后文的悲痛,从而激发民众的抗战热忱。(谱例2)

第二个主题段(19-29小节)是“回忆过去”的又一个升华。是对和平时代的向往,更是对同胞亲人的深切思念。在26小节中,作者使用了重属和弦解决到主和弦的和声,这一和声进行深刻表达了劳动人民对“回家”的迫切愿望。末尾句(28-29小节)的低音是渐弱的音阶下行,并终止在主音上,一切都显得宁静而祥和。演奏时以“贴键”的触键方法,使力量集中传达指尖,并用指腹触键,幻想性的音色充分表达人们对美好宁静生活的眷恋。舒缓、流畅而又深情的吟唱,展现了老百姓安居乐业的情景、丰收的喜悦、对美好生活的追求,同时也表现了中国老百姓的纯朴,为与后段中由于日军惨无人道的奸淫烧杀导致的妻离子散的悲惨景象形成强烈对比埋下了伏笔,使其倍感凄切。  

3、中  段

第29小节是“过去”与“现在”的转折。呈示段所展现的宁静、安逸,使中段那疾风骤雨般无情的灾难更为令人心灵震撼。当低音渐渐消失时,踏板慢慢放开,随即爆发出极为惊人的紧迫的三连音,突变的音乐打断了明亮平缓的基本风格。极为沉重的三连音半音阶上行, 如同一阵恐怖的敲门声,揭开噩梦的开始,表达了突如其来、毫无预兆、惊慌失措且伤害至深的情感,也蕴含着太多的惆怅与无奈、落寞与愤慨。在调式和声上,也由原来的升F大调的VI级转到升d小调的I级上,仿佛乌云压顶,宣告中国人的巨大灾难从此开始。(谱例3)  “ 九一八, 九一八”的旋律悲愤地控诉着9月18日这个悲惨的日子,并在两个不同的音区加以重复。首次出现用连奏,节奏紧迫,表现人们对这突如其来的灾难产生的恐慌与痛苦,是千万同胞家园灾难性失去的悲恸;第二次出现时却运用了断奏的表现形式,一字一读间尽现无奈、悲痛与愤慨,往事不堪回首,但又不得不面对,心里尚未愈合的伤疤再一次被残酷地揭开。极度的痛苦激发了人们对侵略者极大的仇恨,应充满感情地运用全身的爆发力去演奏,速度稍慢,每一个音都应弹得铿锵有力。第40小节旋律音使用“保持音”记号,起到强调的作用(在弦乐演奏中的保持音采用断开的弓法,在此不妨模仿弦乐),字字句句间更是内心无奈与恐慌的体现。第42、43小节由原来的3/4拍转到3/8拍,再转成了9/8拍,把音乐引入新的一段。而此处使用的升d小调上的V2/II级和弦,预示着惨痛和悲愤的遭遇不是梦 境,而是血迹斑斑的事实!(谱例4)

第42~55小节急速分解和弦、音阶和半音阶进行,犹如凛冽的寒风呼啸,冰冷刺骨,千万同胞流浪在暴风雪之中,举步维艰,而每一步都加深着对日本侵略者的仇恨,凝聚着血与泪的控诉。那可是零下几十度的东北三省啊! 饥寒交迫,却不知路在何方。

音乐把我们的思绪带回到那段惨痛的历史,正如一幅幅记录历史惨况的巨型油画,惨不忍睹,给我们带来巨大的视觉冲击,它们真实地回放着那段历史,这是正本清源的铁证,是中国人民受尽苦难和屈辱历史的写照,也是日本帝国主义侵略我国留下的不可抹煞的罪证。为了掩盖罪行,日军在中国东北地区挖设了“万人坑”,那些呈现着以求生的本能张着口、向上爬姿态的遗骸,那些弓着身躯、呈痛苦挣扎状的遗骸,那些被捆着铁丝、带着脚镣或头骨被打漏的遗骸……以他们永远不变的姿势,控诉着当年日本帝国主义的罪行。这是不可磨灭的历史,这是不可篡改的历史,这是中国人永远需要铭记在心的铮铮事实,中国人永远都不能忘记惨痛的过去!

数百万人就此被夺去生命,而幸存的同胞们从此浪迹天涯。可是,路在何方呢?“流浪”的旋律重复了两次,两次的出现蕴涵着不同的心情:“流浪,流浪”,怀着失去亲人的悲哀,背负民族罹难的伤痛,被迫流浪,哪里才是归宿?眼睁睁地看着同胞们饿死冻死,却束手无策!饥寒交迫,赤着双脚,在冰雪中踽踽独行。“流浪,流浪”, 身上披着单衣,以草根树皮充饥,为求生存不断漂泊,有家归不得,有国报不得,又将何去何从?第49-55小节的调性转换,从升d小调转到降G大调,之后再次转回升到d小调。频繁转调更体现了这一幕,真正受伤的,并不只是人身肉体,而是那颗爱国、报国的心。事实的惨痛与凄凉,使人内心极度恐慌甚至连呼吸也变得微薄。因旋律夹藏在伴奏音型中,练习第44-48小节时,应由慢至快地跟着节拍器进行练习,一味追求快速将导致混乱一片的局面,解决技术障碍后为音符“添加色彩”方能达到最理想的效果。隐藏在和弦伴奏中的旋律与伴奏的关系因容易被忽略而更显演奏者的技巧。此段是后文极为重要的铺垫,不可一掠而过,而必须认真分析音乐,脑子里要有画面感。强烈的内心画面感足以调动演奏者的激奋情绪,将脑海中的画面用惊心动魄的音乐展现出来,对听众形成强烈的听觉冲击。(谱例5)

4、再现段

现段进入全曲的高潮部分(56-73小节),柱式和弦、三连音等的运用,表达了内心的愤怒与急切。“哪年哪月,才能够回到我那可爱的家乡?哪年哪月,才能够收回我那无尽的宝藏?”这是呼天抢地的呐喊,歌曲情绪的高潮,在声泪俱下的悲痛中蕴藏着反抗的力量,它激励着人们团结一致,抗日救国。

演奏者常在和弦的演奏中忽视旋律音,几个音的叠秩,混淆了旋律的流动线条,此处旋律音分布于高音区,应把手的重心放在小指上。若一味的用尽全身的力气去弹奏每一个音,反倒“吃力不讨好”。弹奏强有力的大和弦时,应用往前推的力量去弹。手指贴键并运用手臂本身的重量加上爆发力,手腕处于较高的位置,瞬间发力,使所有的力量毫无损失地集中到指尖,并在发力之后(几乎同时),迅速放松手腕和手臂,此触键方法的运用,能奏出极具震撼力而不炸、不破、不刺的声音。辉煌、震撼的和弦与八度技巧,可把钢琴的表现力发挥到极致,营造出管弦乐队强奏的宏伟效果,这一点是声乐作品无法匹及的。第70小节中的低音和弦是原调的VI级和弦,是深沉而致命的打击,没有比家人失散与国家将亡更令人恐怖与愤恨的了。第72、73小节用了重属七和弦进行到属七和弦上,表达内心的苦苦挣扎。为了劳苦大众,为了国家,每个中国人应有的爱国心与肩上不可推卸的责任告诉我们:唯有团结起来与敌人抗战到底,才能夺回失去的家园!

68-73小节是全曲最高潮,“fff”的力度、不和谐的和弦及半音阶下行,是对亲人对父母对家乡的呼唤,热血沸腾,需要用极致的音量弹奏, 低音和弦尤其应该弹得沉重而震撼。弹奏每一个和弦都必须做好充分的准备,运用全身的爆发力触键,使钢琴的声响犹如管弦乐队的最强奏,达到音量和音色之巅峰。和弦的“渐快、渐慢”要恰到好处,过快会显得乏味无力,过慢则显得拖泥带水,更无气势可言。68、69小节中的八度进行末尾两个音可适当地做渐快、渐慢,就像虫儿破茧成蝶的过程一样,由慢至快,到最后一个和弦上,感觉就像是火山爆发般热血不断往上涌,再加上带着重音记号的三连音伴奏,令人心如刀绞。

爹娘啊!爹娘啊!”同胞们含着泪,各族人民含着泪呐喊着,我的同胞在哪里?我的爹娘在哪里?我的祖国在哪里?悲痛中,蕴藏着巨大的力量,它激励人们起来战斗,抗日救国,收复可爱的家乡。激烈的密集和弦层层推进,把全曲激荡到最高潮,悲愤,无奈的复杂情感交织在一起,嚎啕大哭的声腔,撕心裂肺的呐喊在此表现得淋漓尽致!

5、尾 声

 尾声在激情澎湃的高潮过后,亲切而有韧劲的旋律“扑耳而来”,和前几小节的“呐喊”形成鲜明对比。虽然在力度上不及高潮,但是那种回归故里、家人团聚的渴望却一点也没有减弱,反而得到了延伸。就像此处出现的“rubato”记号,第74、75小节的旋律音在第二拍上,演奏时在保持整体的基本速度上,把前一拍的速度相应地缩短,从而延长后两拍的时值,起到旋律延伸的效果,使音乐线条更加悠远绵长。(谱例6)

   结束段采用了主题的材料,仿佛是对美好事物的殷切向往、对光明未来的憧憬,可加上弱音踏板表现虚幻的朦胧美。在最后一小节中,手指尽可能地贴键弹奏,当指腹触摸到琴键时,拨奏琴键,犹如弦乐的拨弦,使音色集中、圆润、清澈。右踏板缓慢的松开,直到最后一个音弥漫开来,最后消失在空中,人们心中的期盼依然萦绕在脑海中,久久不能散去。

(三) 演奏难点

1、节奏的把握

节奏是中国曲子最难把握的因素之一,也是能否成功演奏该曲的关键。节奏特点往往明确地提出了作品的基本风格和内涵,正确处理好节奏音型中每个音的力度关系,才能使作品的节奏特点鲜明,使音乐富有律动。每一种节奏都有其各自的情绪特点,都能为音乐作品创造气氛,使人产生丰富的联想。这首作品中大量使用了渐慢和弹性节奏,演奏者须投入情感,反复对比,才能做到恰如其分。

许多演奏者会把 “引子”和“主题”的速度混为一谈,将其弹得过慢或过快,而失去了曲子原有的意境。速度标记为Lento(慢板),3/4拍子。引子的速度偏慢且流动,如演奏的过快则没有悲切沧桑之感,若是演奏的过慢则会显得平淡无力,缺乏流动感,则更难演奏出心底的那份悲痛。在第5-6小节间,出现了rit.(渐慢)及延长记号,在“渐慢”上加延长记号,如果处理不当,这个有弹性的节奏会被听众认为成曲终。这时的渐慢记号不应太过夸张,通过小小的“呼吸”就到了延长音记号上,这两个延长音记号也不宜太长,因为过渡之后是一小节的休止。应处理的稍紧凑些,不要与“正文”脱节,更不应当演绎成散板。

2.触键

该作品音量幅度极大,对音色要求极高,尤其是极强奏时仍要保持歌唱性的音色控制。

许多学生在演奏时习惯于“动手”而不“开口”,导致了演奏出来的音乐缺乏歌唱流动性。在此,借鉴人声的歌唱性变得极为重要,演奏者应发自内心地投入到音乐中去,努力弹好每一句旋律的同时,还必须尽可能把整个的伴奏(和声、低音)声部弹得非常丰富,犹如海浪般去推动旋律,令人感觉到每个音符都在变化,正如人声或弦乐器,每个音里面都能任意作出各种渐强渐弱的处理,这是我们最盼望得到的歌唱般细腻、美妙的感觉了。这样,我们甚至可以把钢琴的这种缺乏连贯性的先天不足化为优点,虽然每个音击弦后都在渐弱,但也因此给了人们更多的想象空间。

钢琴作品最难之处在于连贯性,要使极其富有金属质感的音色散发出情感,使演奏出来的音乐催人泪下是有难度的。首先要求音色“不炸”、具有连贯性;之后再用心体会乐曲及旋律中流露出的情感和生命。不但在触键方法上要正确得当,作者还使用了大量的较连贯的音型来填补钢琴唯有的“缺憾”。如在第5小节中的五连音,不仅推进了曲子的层次感,而且在句与句之间也增加了连贯性。在伴奏音型中,用属持续音将曲子更为一体化。

3.踏板

在整首乐曲中,踏板的精妙运用可以起到画龙点睛的效果。踏板,是钢琴有别于其它乐器的“独特而美妙的特点”。鲁宾斯坦说过:“踏板是钢琴的灵魂”,没有精确的踏板控制,再好的触键也只能发出干巴巴的声音,踏板对于把握一首作品的风格、音乐形象的刻划和情感的表达及演奏的效果等各方面都有着举足轻重的作用,因此,钢琴学习者和演奏者须拿出一定的时间对每一部作品进行踏板运用方面的研究是十分必要的!

(四) 结束语

《松花江上》这一声乐曲以其深刻的表现力,有血肉有感情的音乐形象及高度的艺术性, 成为印记时代的旋律,以这首歌为素材的同名钢琴独奏曲,充分发挥钢琴的特点,淋漓尽致地阐释了作品,极富感染力。该作品的音乐情绪与《“黄河”协奏曲》异曲同工,均以作品蕴含的悲愤和伤痛,强烈地碰撞着每一位听众的心灵,那种深切中饱含悲痛的呻吟,凄凉、委婉,感人肺腑,令人不能自己,无形中把听众带回到那一段惨痛的历史悲剧当中,激励人们化悲痛为力量,为自由而抗争。该作品运用了力度的对比、爆炸性的重音、戏剧性的渐强和突然的弱奏以及高低音区不同音色的变化等多种表现手法, 这些独特的表现手法都最大限度地挖掘出了钢琴的表现力,而作品中蕴含的深刻内涵、美的感染力, 也在音乐美学的境界中闪耀着华丽的光彩。“时而诉说,时而翻江倒海,时而千回百转……只觉得泪欲流,心欲碎,神思飞出音乐厅外……崔世光这一曲写得精彩绝伦……”

中国历史上下五千年,包括中国音乐在内的中国文化经朝历代流传至今,中国音乐有着独特的旋律、和声、曲式、节奏、音色,能够打动全世界的听众。作为中国人,中国的演奏家有义务去演奏、推广中国音乐作品。作为华夏后人的我们,绝不能愧对孕育我们的这块文化土壤,更不能忘却自己的责任所在。忘记历史, 就是背叛过去、放弃未来。牢记历史, 尤其是民族的苦难史和抗争史,可以让一个国家、一个民族在前行中保有警惕, 少走弯路。《松花江上》凭借其旋律本身的感染力,加之崔世光先生倾注心血的改编锤炼,通过演奏者的倾情演绎,成为了一首散发着迷人音乐魅力的中国钢琴艺术佳作。对我们乃至后人的启示是巨大而深远的,足以谓之“曲终情不尽,余音绕世人!


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