大立钢琴 艺术中心

如何创造音色之“美”

如何创造音色之“美”

How to Make the Beauty of Timbre

                                              王大立

摘  要:音色,是音乐的四要素之一,“美”的音色,是演奏家毕生的追求。本文从对钢琴音色直接产生影响的触键、踏板等方面着手,阐述了在钢琴演奏中创造美好音色的基本途径和方法。其中,触键方法最直接的影响到音色的好坏,本文作了详尽的论述,为密切配合本科钢琴教学的需求,还着重提出了切实可行的学习方法。

Timbre is one of the four elements of music. It’s a constant aim to make the beauty of timbre for every piano performer. This essay, based on the issues such as keyboard touching and pedaling, which influence piano timbre directly, demonstrates the basic approaches on making the beauty of timbre in piano performance. The essay discusses the way of keyboard touching, which influences the quality of timbre directly. Meanwhile, in order to meet the requirements of piano teaching at academic level, the essay also provides useful and practical ways for  piano learning.

关键词:音色;触键;踏板;情感

 Keywords: timbre, touching, pedaling, emotion

触键及踏板,是钢琴演奏中表现音乐情感最基本、最重要的手段。钢琴演奏中美妙的音色来源于科学地触键以及许多演奏者经常忽略的钢琴踏板。当今,钢琴演奏中常常运用各种触键手段及精确的踏板控制来产生各种不同的声音色彩以表现音乐,对演奏中音色的要求越来越高,毫无疑问,科学的弹奏法也就是创造美好音色的核心!

“美”的音色之源–––科学的弹奏法

在较早期的钢琴演奏法中,美国钢琴家克··汉密尔顿曾指出钢琴演奏中有四种触键方法:指力触键、手力触键、臂落触键、全臂触键。而现代钢琴拥有极为丰富的表现力,声音的幅度、层次,音色的变化等都更具有可塑性,在这种基础上,钢琴演奏法也不断改进和提高。已往的一些触键法音量幅度小,声音单薄,缺乏穿透力,不能完全发挥钢琴的巨大潜力,随着钢琴本身的改良,新的触键方法也不断被加以利用。

科学的钢琴弹奏法应该是用整个身体去弹琴,也就是说,弹琴不能光靠手指,而要充分利用人类具有的全部生理运动的可能性。手指好比是前线打仗的战士,得有畅通无阻的后方支援,而后方支援就是指从手腕、手臂、包括整个躯体的上部(包括腰),甚至腿都起作用。它们的放松则是畅通的前提,当手指弹奏时,其它部位则要放松,让整个手臂以至上半身的重量集中在指尖,这就是现代弹奏技术中最重要、最基本的的重量弹奏法。在许多更为激烈的乐段中,还必须加上手臂及身体的爆发力,配合重量弹奏法,制造强有力的辉煌效果。

重量弹奏法与手臂及身体爆发力的配合运用在钢琴演奏中贯穿始终,大致可分为四种:

a.纯重量弹奏法

这是利用手臂及上半身的自然重量为主的触键方法,它是现代钢琴弹奏法的基础。这种触键比早期的纯指力触键法产生更具有穿透力、更集中而饱满的声音。相对于小提琴等乐器来说,钢琴最致命的弱点恐怕就是“歌唱性”的问题了,因为钢琴的槌子击弦后立刻回到原位,没法对延续的音符继续起作用,导致琴声发出后立即减弱,使人们的听觉感到不连贯。而纯重量弹奏法由于没有加上手或手指的任何爆发力,所以音头不是很突出,声音减弱的速度相对变慢, 人们就会感到声音更为连贯,显得更加富有歌唱性。许多人或许会怀疑:弱奏时是否用得上大臂重量?事实上,弱奏时更需要使用大臂重量,这会使声音更易于控制,均匀而富有穿透力。这种触键法尤其适合演奏深情如歌的旋律或平稳的伴奏织体,如:《安慰》(李斯特)、《夜曲》(肖邦)、《梦幻》(舒曼)、《如歌的行板和辉煌的大波兰舞曲》(肖邦)中的行板部分等。

谱例:《安慰III》(李斯特)

纯重量弹奏法的训练在学习钢琴的初期就应该给予足够的重视。第一阶段中,非连音奏法的练习是最为有效的训练手段,应该用比较长的时间专门进行学习。在许多基本练习及练习曲中,可兼顾使用贴键弹奏(慢练,体会手臂及上半身重量传递到手指尖,及从一个手指把重量转移到另一个手指尖的感觉)的练习方法。最后,可选择一些歌唱性强的乐曲(如:夜曲等)加以运用。同时,手腕、手臂(小臂、大臂、肩膀)的充分放松、手指关节的支撑、上半身略为前顷的坐姿是其关键。

    b.配合手指爆发力的重量弹奏法

这是在利用手臂及上半身自然重量的基础上加上手指爆发力(手指抬起,集中力量,用较快的速度击向琴键,下键后立即放松)的触键方法。

最早期的钢琴机件非常轻巧、脆弱,音量也很小,演奏中只能使用指力触键,因此,音色干燥、尖亮,声音单薄。随着钢琴的改进, 人们对音色的要求有了进一步提高的可能性。贝多芬、肖邦和李斯特的出现,使手和手臂的重量及肌肉的力量开始得到利用,使纯指力触键的功能逐渐下降,它主要被用来演奏精致典雅的经过句或创造纤弱的伴奏效果,如今,在许多场合中,它已经被这种配合手指爆发力的重量弹奏法所替代。因为后者比前者拥有更富于穿透力,更具有颗粒性的、圆润、饱满的声音。另外,由于这种弹奏法比纯重量弹奏法更富有颗粒性,因此,它贯穿于整个钢琴演奏体系中,成为最为重要的一种触键手段,许许多多的练习曲都在训练这种触键法。在许多轻快、富于韵律的篇章中, 包括绝大部分的钢琴作品,都在运用这种配合手指爆发力的重量弹奏法。

谱例:《“暴风雨”奏鸣曲》(贝多芬)

而对于莫扎特的作品可能会有争议:莫扎特处于现代钢琴的早期阶段,他的作品典雅、精致,以往人们常常用纯指力触键去弹奏,限于当时的条件,莫扎特本人也使用这种触键法。但这样的声音显得单薄,缺乏穿透力,没法适应现代的音乐厅及听众的听觉需要(试想想:当你在大型音乐厅中,只看到钢琴家的手指在飞舞,而听不到任何声音时,有何感想?)。因此, 为了使音色圆润,声音的颗粒性及穿透力得到保障,应该以指力触键为主,配合重量弹奏法去演奏莫扎特的作品。

谱例:《a小调奏鸣曲》(莫扎特)

这种触键的训练应该贯穿于整个钢琴的学习过程中。当基本上掌握纯重量奏法之后,就应该开始进行这种触键的训练。可以从两个音、三个音的连音奏法开始,之后进行大量的音阶、琶音等基本练习及练习曲的训练。

练习过程中,在放松自如的重量弹奏法的基础上,强调手指力度、独立性及灵活性的训练。运用高抬指,集中力量下键的方法进行训练,对于手指的爆发力及下键速度的提高确实很有效果,但片面强调高抬指及下键速度,会导致音质的恶化(许多学生的手指功夫不错,有力度,跑得动,但就是声音“不好听”,很“刺耳”),因此,应当非常强调音色的美,强调手指的下键动作(感觉),而不仅仅是抬高,并可结合贴键练习,进行音色及弱奏等的训练(许多学生弱奏的问题很严重,往往声音发虚),用耳朵倾听并对比发出的每一个音的音色,在“强而不炸,弱而不虚”的基础上,使每个音完美无瑕。许多学生经常重复练习一个句子,以求达到熟练,事实上应该在这一过程中就不断对比音色的不同,以寻找最理想的声音效果并加以巩固。

    c.配合手臂爆发力的重量弹奏法

在需要表达比较激烈的情感时,单靠手指的力度和手臂重量往往显得力不从心,这时, 配合手臂爆发力的重量弹奏法自然就运用上了。由于手臂的爆发力远远大于手指爆发力,它可以产生更为明亮而浑厚的声音。因此,它常用在断奏、半连奏及和弦的弹奏中,也可以用于不需要过分强烈的高潮中。如:《降E大调夜曲》(肖邦)的结束部等。这里是乐曲的高潮,但这是一首浪漫的夜曲,不能过分强烈,而这种触键就符合乐曲在这里的情绪要求:激动但不过分。

谱例:《降E大调夜曲》(肖邦)

当上述两种触键方法基本掌握之后,可训练这种触键方法。和弦练习是最有效的方法,练习时可想象到体育运动中的“推铅球”,集中力量(利用大臂的力量和整个手臂的重量),手指贴键(否则,声音将是“炸”开般的噪音),用最快的速度下键。必须注意:手臂用力后必须马上放松,几乎是用力的同时就在放松;并注意肩部、手腕的放松及下键之前手指不离开琴键。没有足够的爆发力及速度是不可能弹出非常饱满而富有力度的声音的,所以不应忽视这种触键的训练。

    d. 配合身体爆发力的重量弹奏法

在最为激烈的乐曲高潮中,可运用整个身体的爆发力配合上身及手臂的重量去弹奏,把高潮推向顶点,使人们的听觉感官达到一种满足感。这种触键方法常运用在全曲最高潮、最辉煌之处,包括许多精彩激动的华彩乐段中(如:李斯特、贝多芬等的作品),以产生一种极为宽广、辉煌而丰满的声音效果。如:《a小调钢琴协奏曲》(格里格)的华彩乐段。这里是全曲最高潮之处,在这之前有一段很长的铺垫,到了这里,无论是演奏者的情绪,还是在演奏中的表情处理,都要求运用这种触键方法来产生宽广、丰满、辉煌的音色,塑造音乐高潮。

谱例:《a小调钢琴协奏曲》(格里格)

配合一些乐曲中高潮处的大和弦进行训练,是学习这种触键非常有效的方法。弹奏时,身体向前倾,重心往前,深吸一口气,运用左腿的爆发力(如体育运动中的短跑起步),推动上半身、手臂,最后把所有力量及重量全部传递到指尖,迅速下键(弹奏前手指贴键)。弹奏时除了注意上述三种触键中提出的要点之外,还必须特别注意上半身的支撑,它必须是挺拔的,而不是松散的。同时,充满激情的弹奏,将使力量更为集中,触键更为自然,从而更易于达到需要的效果。

在现代演奏法中,上述四种以自然重量弹奏法为基础的触键始终贯穿于整个演奏过程。但在某些作品中,需要有一些特殊的音色来调节时,则会用到单纯的手指触键,产生一种飘渺、柔和、纤细的声音,常用于装饰音及一些极为轻巧的过渡句等。谱例:《水的嬉戏》(拉威尔)

总的来说,触键的力度、速度,是影响音色最重要的因素,而上述各种触键方法的目的正是为了改变触键的力度和速度,从而影响音色。在相同力度的情况下,下键速度越快,声音就越明亮,越有颗粒性,下键速度慢,声音就显得柔和。如果加上力度变化,这种声音的变化就更加明显。另外,手指触键面积的改变(事实上也是改变下键速度),也直接影响音色:用手指尖触键,声音尖锐,明亮、音头明显,如:莫扎特的《奏鸣曲》;手指肉垫触键,触键面积大,声音柔和,音头不明显,如:肖邦的《夜曲》及《摇篮曲》的伴奏声部。当不同的下键速度、力度相配合,便产生各种音色的变化,你对下键力度及速度的控制能力越强,你演奏的音乐层次感就越强。因此,在掌握各种触键法之后,就应该不断锻炼下键力度、速度的细微控制的能力,以满足细腻的感情处理需要。

各种触键方法都是为了产生统一及各种变化的音色,形成各种音乐色彩,“最直接”地表达音乐内容,然而,这仅仅是产生美好音色的第一步!

音色控制的工程师––踏板

没有精确的踏板控制,再好的触键也只能发出干巴巴的声音!

踏板,是钢琴有别于其它乐器的“独特而美妙的特点”。鲁宾斯坦说过:“踏板是钢琴的灵魂”;布佐尼称:“踏板是倾泻在景色上的月光”,可见,它们对钢琴演奏中的影响(尤其是对音色的影响)有多大!(中踏板在普通立式琴中是为了练琴时不影响他人而设的,在三角钢琴中是为单独保留和延续某些音而设,篇幅关系,本文略去)。钢琴的左、右踏板分别俗称为弱音踏板和延音踏板(也称强音踏板),但这都未能很好地概括其真正的意义,故本文仍称之为左踏板、右踏板。

左踏板是经常被人们所遗忘的,所以我们先来看看:

a. 左踏板

左踏板的作用绝不仅仅是弱音,而更重要的是增加音色和改变音质!其原理一直以来很少被提及,下面重点谈谈其原理及运用。

在三角钢琴上,当踩下左踏板之后,击弦机向右移动, 每个槌子由原来同时打到三根弦(低音12根)变成只打到两根(低音1根)弦上,使音量变小,声音更加柔和,带有一种朦胧感。这主要是由于泛音的数量改变引起(音色的不同就是因为泛音的不同,如:小提琴的音色不同于钢琴,就因为它们的泛音不同): 钢琴击弦机中的槌子在经常接触琴弦的地方硬度比较大,可产生非常丰富的泛音,因此,音色饱满而明亮(许多钢琴使用一段时间后声音变得更亮就是这个道理),而左踏板踩下后,由平时较少触弦的位置去击弦,其位置硬度比较小,便可产生比较柔和、甜美或者暗淡的声音,所以,在需要产生明显的音色及音量对比时,左踏板便可发挥你意想不到的作用,其效果是手指触键所难以达到的。值得一提的是:并非只有很弱的乐句才使用左踏板,中强的乐句也可能需要它,这时,改变音色的作用将特别显著!注意:左踏板不是一根为帮助演奏者弹得更弱而使用的拐杖!特别在印象派作曲大师德彪西等的作品中,音色对比是其表现音乐的最重要手段,这时,左踏板就被大量的使用。而在肖邦的“夜曲”中,左踏板对宁静的、幻想性的意境创造也起着举足轻重的地位。

谱例:《#c小调夜曲》(肖邦)

b. 中踏板

谱例:《安慰III》(李斯特)

c. 踏板

  同左踏板一样, 右踏板的作用也不仅仅是延长音符,其最重要的作用是“美化”音色。

在不使用踏板时,钢琴发出的是干巴巴的纯音,而当右踏板踩下后,止音器被打开,这时,当你弹下一个琴键后, 其泛音列中的琴弦都发生振动,产生丰富的泛音,使声音变得饱满,音色丰富而美妙动听(无论科技如何进步,这都是电钢琴与合成器所无法比拟、无法替代的)。同时,在需要积聚较大音量而产生的段落中,右踏板的长时间延续,使密集的音符音量不断积聚、加强,营造了极其震撼的音响效果,从而产生极具冲击力的听觉共鸣。因此,右踏板几乎被用于世界上所有的钢琴作品当中(这里就不再举例说明了),钢琴学习者在学习一首作品时,拿出三份之一的时间研究踏板绝非过分的要求,事实上极少学习者能够做到,甚至导致优良的触键全让不正确的踏板运用给“糟蹋”了。

“踏板法是钢琴演奏中最困难的一个方面,而且极少有人会否认”!是的,踏板的具体运用相当复杂,同时它对作品风格、情感处理的影响也起着举足轻重的地位,具体的使用方法决非三言两语所能概括,钢琴学习者应高度重视踏板的运用,用心研究有关论著,不能只关心触键方法,否则,再好的触键也不可能产生理想的音色!

篇幅关系,这里只讲三点极易被忽视的问题:

1. 用“耳朵”去踩踏板!这是最重要的。虽然所有演奏家、教育家都对此再三强调,但却很少有人做到。如果不竖起耳朵去控制踏板,那等于根本就不会使用踏板。应当用耳朵进行辨别和分析实际的音响效果,对踏板进行微妙的控制,因为每一台琴、每一种环境、每一首作品对踏板的要求都不同!“只有耳朵本身,才永远是艺术性演奏的最终指导”!

2. 踏板就象汽车的油门,不能总是一脚踩到底,而是应该有层次(不同深度)的踩,否则很“危险”:声音混浊不清。只有在非常激烈的片段中才有可能把踏板踩到底(止音器完全离开琴弦),而大部分时间只让止音器稍微离开琴弦即可。有人把踏板分为全踏板、1/4、1/3、1/2踏板,这已经是最简单的划分,但超过95%以上的学习者只会用第一种:全踏板–––多么可怕的数字!!事实上踏板的层次又何止四种?它是千变万化的!对其进行细微的控制将使钢琴的音色变得丰富多彩,你的演奏才能感人!

3. 变换和弦必须变踏板,分句时把踏板“放”干净!为数众多的学习者竟然连转换和弦或分句时都“不舍得”换踏板,而他们的耳朵却能够容忍,实在难以理解!这一点,就不必多说了。

以上三个问题看似简单,但却普遍存在于绝大部分学习者当中,严重影响了演奏效果,教师及学生都应予以高度重视!

   弱音踏板和延音踏板的正确使用,配合科学的、细腻的触键,就能产生非常丰富而美妙的音色。

音色控制的总指挥–––听觉

如果没有一双能够正确而敏锐的鉴别音色的耳朵,美好的音色就成了空谈,所有的触键及踏板技巧的训练,需要耳朵来鉴别和控制。事实上许多人弹琴是不用耳朵去听的!因此,听觉训练是我们面临的最为重要的课题。

a. 倾听专业的演奏

“好耳朵”需要从小开始训练,而多听各种优秀的音乐作品就是最好的训练方法。钢琴大师的现场音乐会无疑是训练听觉最好的机会,而他们的演奏录音,如能在高级(准确)的音响系统中重播,也是非常好的训练手段。同时,对比不同的演奏家录制的同一首作品,你一定能够更好地体会到他们演奏中最美妙之处。当然,你的专业导师的示范演奏,都是你最直接的训练机会。另外, 许多学生只听自己所学乐器的录音或音乐会,这是一种“偏食”,其“营养”甚至不能满足任何一种乐器的需求,所以,不论你学习哪一种乐器,都不要错失聆听管弦乐、人声(独唱、合唱等)、民乐等演奏的机会,在这里,你可以学到音色如何统一、变化及富于歌唱性的演奏。同时,应该把听过的美好的声音牢记在心并充分发挥你的想象力,仔细分析每一位钢琴家的音色特点和每一位作曲家的作品所具有的基本音色以及不同感情处理中所使用的不同音色等。在练习及演奏中,时刻以这些音响效果来指导自己,尽量向这些完美无瑕的声音靠拢。

b. 使用更好的钢琴

如果使用一台音色很差的钢琴进行练习,却要求你弹出美好的音色,确实有点为难你。因此,条件许可的话,尽可能使用更好的钢琴进行学习,起码是“没走音”的钢琴!因为一台音色很差的钢琴不但能掩盖你的优点,更能够掩盖你的缺点(不良的触键),而一台好的钢琴能把你优美的触键化作极其美妙的声音,也能把不良的触键一览无余的展现出来,对比非常之大,这时,“耳朵”就会指导你不由自主的去调整你的触键,终于,你也能够弹出美妙迷人的音色了!试想想:如果李云迪没摸过“施坦威”琴,他能获得肖邦国际大赛金奖吗?!

创造“美”的音色之关键–––情感

音乐是情感的艺术,不赋予情感的音乐,根本谈不上“音乐”二字。正确的触键及踏板技术,是音乐表达的基本手段,而只有当它们被赋予情感时,音符才变得富有生命力。所以,产生美好音色的关键之关键是充满感情的演奏!

美好的音色首先来源于内心的听觉和想象,无庸置疑,当你的内心充满美好的憧憬时,你手下流露出的音色自然变得美妙–––当你遨游在仙境般美妙无比的海底世界中,《水草舞》的音色还需要解释吗?而当你充满愤恨时,音色就变得铿锵有力–––当你听到北约轰炸我国驻南大使馆的消息后再去演奏肖邦《“革命”练习曲》时,浑身的爆发力蜂拥而至,音色必然更加铿锵有力!这时,你根本用不着去考虑何种触键法了吧!

总而言之,有感情的演奏,必将使声音变得更为自然、细腻、生动而美妙动人,因此,正确的触键及踏板技术,是音乐表达的基本手段,良好的音乐听觉是控制它们的总指挥,而充满感情的演奏则是产生美好音色的关键之关键!


客服
邮箱:dali998@126.com
电话:15902080200

上午:9:00~12:00
下午:1:00~6:00
website qrcode